10 Artistes Contemporains à Connaître

2024 Auteur: Francis Oldridge | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 20:39

Nous sommes plusieurs millénaires dans toute cette expérience de civilisation humaine et aucune personne ne peut clairement répondre à la question: qu'est-ce que l'art? Cela n'aide pas vraiment que le paysage de l'art contemporain soit profondément inaccessible à quiconque sans diplôme en sciences humaines, et que les beaux-arts semblent enfermés derrière les portes de musées coûteux et de collectionneurs hautains. L'art a-t-il plus d'importance? L’art n’est-il pas simplement un programme compliqué de blanchiment d’argent pour les plus riches?

La réponse à ces questions reste floue, mais ce qui est évident pour ceux qui se soucient de la voir, c'est comment - malgré son inaccessibilité - l'art contemporain continue de façonner le paysage de la culture pop. Des films Marvel à votre rappeur préféré, il y a des indices d'influence highbrow partout où vous regardez.

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Nous décomposons 10 artistes contemporains influents dont vous avez peut-être absorbé les œuvres sans même vous en rendre compte. En apprenant à connaître leurs contributions à la culture, vous constaterez peut-être que vous avez réellement aimé leur art avant même de savoir que ce sont eux qui l'ont créé. Chacun de ces artistes continue également de poser la même question à laquelle personne n’a pu répondre: qu’est-ce que l’art, de toute façon?

Damien Hirst

L'œuvre d'art la plus célèbre et la plus controversée de Damien Hirst, intitulée «L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un vivant», résume parfaitement le débat autour de ses œuvres: la sculpture est littéralement un requin mort pourrissant dans une cuve en verre de formaldéhyde. Hirst utilise souvent les carcasses d'animaux réels comme des déclarations sculpturales dans des commentaires complexes sur la vacuité existentielle et la nullité du marché de l'art lui-même. Sa production la plus horrible, réalisée au début et au milieu des années 1990, a suscité un débat considérable sur ce qu'est réellement «l'art». Ses multimédipièces les plus récentes sont beaucoup plus apprivoisées et utilisent fréquemment des pilules, de l'or et des tropes de la mode haut de gamme dans des motifs répétés pour souligner la mort émotionnelle du circuit de la galerie. Il est également responsable de ce qui est largement considéré comme l'œuvre d'art la plus chère jamais réalisée: un crâne humain incrusté de diamants incliné «Pour l'amour de Dieu».

Takashi Murakami

L'artiste japonais Takashi Murakami reste en vogue parmi les têtes de hip hop grâce à ses partenariats avec Louis Vuitton et plusieurs rappeurs célèbres. Vous pourriez le reconnaître comme le créateur de la pochette de l’album 2007 de Kanye West, Graduation. Avant ses partenariats avec des marques de luxe et des stars de la radio, les œuvres de Murakami étaient des versions abstraites de blagues animées, qui transformaient les dessins animés japonais en sujet de contemplation existentielle. Il a surnommé son œuvre le début du mouvement «superflat», critique systématique de la culture d'après-guerre dans son pays d'origine, qu'il considérait comme de plus en plus infantile, comme réponse à la violence et au traumatisme de la bombe atomique. Sa pièce la plus tristement célèbre est intitulée «My Lonesome Cowboy» (lien NSFW), sculpture grandeur nature d'un héros d'anime en train de se masturber.

Signe Pierce

Pierce est représentatif de la nouvelle génération de soi-disant «méta-modernistes» qui utilisent l'art de la performance interactif multimédias et Internet pour commenter notre monde de plus en plus médiatisé et notre interconnexion inséparable avec l'existence technologique. Ses photographies magnifiques et luxuriantes représentent des mondes du futur proche baignés de néons qui font des commentaires pas si subtils sur le travail des femmes et le désir féminin. L’art de Pierce est devenu viral avec la vidéo «American Reflexxx» (collaboration avec Alli Coates), dans laquelle Pierce pose de manière provocante en public avant d’être - de façon assez inattendue - victime d’agression. Le style de l'objet de ses décors fantastiques a augmenté en même temps que l'apparence du mouvement vaporwave teinté de nostalgie et beaucoup plus ironique.

Cindy Sherman

Cindy Sherman travaille exclusivement dans le milieu des autoportraits photographiques, dans lesquels elle utilise des costumes et des déguisements élaborés pour créer des alter-ego pleinement formés pour explorer différents aspects de son identité. Ses œuvres sont antérieures à la fois à la popularité du «selfie» et à l'explosion de la traînée catalysée par les artistes LGBTQ + au cours de la dernière décennie, mais ont établi un précédent remarquable pour des évaluations complexes de la présentation du genre à travers la photographie. Au fur et à mesure qu'elle gagnait en estime, elle est devenue un modèle improbable pour des marques haut de gamme comme Marc Jacobs et Balenciaga.

Rashaad Newsome

Rashaad Newsome utilise une technologie piratée pour aborder les complexités croisées de l'identité gay et noire, comme l'illustre le plus explicitement sa performance et ses pièces vidéo «Shade Compositions», dans lesquelles il utilise un système de jeu vidéo modifié pour boucler des échantillons vocaux à partir d'un chœur au son déçu. les personnes queer et les personnes de couleur. Ces déclarations artistiques déconstruisent diverses catégories d'identité de manière inhabituelle et nuancée: en prenant des gestes stéréotypés et en les transformant en chefs-d'œuvre musicaux d'avant-garde. Ses expositions chorégraphiées de danse vogue à New York célèbrent la joie de la scène de bal, apportant dans les galeries le style de mouvement qui n'existait autrefois que dans l'underground.

Ai Weiwei

Après le début du documentaire sur la vie d'Ai Weiwei en 2012, cet artiste est devenu en quelque sorte un objet de fascination pour les hipster glitterati à New York. Sa popularité à la mode était trompeuse compte tenu des messages désespérés et profondément politiques de son travail, auxquels le gouvernement chinois s'opposait tellement qu'il a été à un moment donné incarcéré pendant 81 jours sans inculpation. La désapprobation déclarée par Weiwei du fascisme - à travers son art, qui défie l’État de surveillance et dissimule les violations des droits de l’homme perpétrées par le régime chinois - est assez dangereuse. Mais Weiwei est prêt à sacrifier son bien-être pour lutter contre l'injustice. Son installation la plus connue est probablement «Sunflower Seeds», un tas littéral de sphéroïdes en porcelaine miniatures peints pour ressembler - vous l'avez deviné - à des graines de tournesol. L'imagerie fortement symbolique est empruntée à l'iconographie de la Révolution culturelle.

JuliannHuxtable

LA DERNIÈRE NUIT A ÉTÉ TELLEMENT MAGIQUE… SE SENTIR INDULGÉ ET SOUTENU DANS MA SPIRALE SANS CHARNIÈRE EST AU-DELÀ… MERCI À TOUT LE MONDE IMPLIQUÉ À ME FAIRE LÀ LOVE YALL ????

Est-ce que lancer de l'art du parti? Est-ce être un art de mannequin? Ecrire de la poésie sur l'art Tumblr? Est-ce que mélanger la musique est de l'art? JulianHuxtable était une personnalité Internet et DJ bien connue de la scène underground queer de Brooklyn bien avant que ses sculptures ne peuplent le Whitney Museum. Ses multimédias et ses écrits qui enquêtent sur le transgenre, l'héritage africain et la théorie queer postmoderne sont largement célébrés, tout comme son club inspiré par les enfants, une série d'événements avant-gardistes et semi-juridiques à travers Brooklyn. Ses DJ sets bruyants et expérimentaux mélangent des influences high-brow et low-brow, s'inspirant de la mode alternative et d'icônes de l'art sous-estimées qui avaient été auparavant ignorées par le monde des beaux-arts.

Jeff Koons

«Elephant» (2003) est calqué sur un gonflable prêt à l'emploi que j'ai acquis en 1979. L'œuvre est en acier inoxydable qui est amené à un poli miroir élevé puis peint avec des couleurs transparentes. J’ai toujours aimé les aspects masculins et féminins de l’objet. #féminin

Les sculptures pop-art de Koons ont attiré la colère de critiques plus conservateurs pendant des décennies. Avec une appréciation ironique de la culture des célébrités et un sens impeccable de la décadence et de l'adhésivité, les œuvres de Koons sont des reflets amusants de notre société hyper-capitaliste. Sa pièce la plus notoire représente Michael Jackson avec son singe de compagnie, mais il est surtout connu pour ses sculptures géantes d'animaux en ballon, qui, selon lui, ne représentent rien d'autre que ce qu'ils sont. En contournant les limites du mauvais goût - ses portraits pornographiques de femmes plantureuses sont parfois trop torrides pour les musées - Koons continue de faire chier les modernistes en affirmant qu'il n'y a pas du tout de message ou de critique plus profond dans son travail. Beaucoup disent qu'il est plus une marque qu'un créateur, et cela lui semble bien.

Richard Prince

De même méprisé est Richard Prince, photographe dont les œuvres les plus célèbres sont des photos qu'il a prises de publicités imprimées. Mentionner son nom parmi les professionnels évoque souvent des huées et des sifflements - pourquoi gagne-t-il de l’argent avec le travail d’autres personnes? Copier l’art d’autrui n’est certainement pas de l’art!

Les critiques plus flexibles peuvent voir qu'en recontextualisant ces publicités en tant qu'art, il crée quelque chose d'entièrement original et avec une signification beaucoup plus profonde, mais beaucoup de gens n'achètent tout simplement pas cette explication et préféreraient qu'il se retire. Malgré toutes les critiques, le New York Times l'a décrit comme «l'un des artistes les plus vénérés de sa génération» en 2017.

Virgil Abloh

Vous connaissez peut-être déjà Abloh en tant que PDG de la marque Off-White, devenue l'année dernière la marque «it» grâce à des collaborations avec Nike. Les créations de mode d'Abloh étaient notamment minimalistes et post-modernes. Il imprimait souvent le nom de l’objet qu’il avait dessiné sur l’objet lui-même: les lacets de sa collection de baskets avaient le mot «SHOELACES» écrit directement dessus. Cette sorte de conscience de soi impassible est également devenue sa signature dans son art visuel - ses peintures avaient souvent les couleurs dans lesquelles elles étaient peintes clairement écrites sur la toile - mais parfois le trope a pris une tournure plus existentielle, avec des phrases comme «LA VIE EN SELON» gravé hardiment sur les pièces. Il travaille actuellement en tant que directeur artistique de Louis Vuitton tout en produisant simultanément de la musique fraîche et de nouvelles peintures.