Revisiter Les Albums Classiques: La Highway 61 De Bob Dylan Revisitée

2024 Auteur: Francis Oldridge | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 20:39

Je ne suis pas sûr qu’il y ait un meilleur morceau d’ouverture dans toute la musique que dans Highway 61 Revisited de Bob Dylan. Le disque sort des portes avec «Like Rolling Stone», un morceau hymne d’Amérique qui est désormais fermement gravé dans l’album dense de la musique du monde.

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La chanson met en valeur l'éclat de Dylan en tant que conteur et sa présence scénique singulière. Il n'avait que 24 ans quand il s'est réuni et le morceau reste un chef-d'œuvre littéraire. Musicalement, il enchaîne une guitare galopante avec des orgues d'église dans une grande construction qui n'expire pas tant que la chanson n'est pas terminée.

Highway 61 Revisited était le sixième studio de Dylan, sorti en 1965. Le nom fait référence au long morceau d'asphalte qui s'étend de la ville natale de Dylan de Duluth jusqu'au delta du Mississippi. C'est le titre approprié pour un album qui attire d'innombrables musiciens de blues des nombreuses villes le long de cette autoroute, en particulier les tronçons du sud. L’autoroute de 1 400 miles suit généralement le fleuve le plus célèbre du pays, le Mississippi.

Le disque est né pendant une période phénoménale de la longue carrière d’écrivain de chansons de Dylan. Il était revenu d’une tournée à l’étranger battu et menaçant d’abandonner complètement la musique. Il a commencé à écrire comme moyen de faire face et, comme Dylan le décrit, était possédé par une sorte de fantôme alors qu'il griffonnait les lignes de «Like Rolling Stone». Le processus a restauré son amour pour le métier.

D'un autre côté, un autre développement intéressant: alors que l'album se rassemblait en studio, Dylan passait officiellement à l'électrique. Son set emblématique de juillet au Newport Folk Festival l'a vu pleinement brancher, passant du troubadour acoustique de type Guthrie au poète du rock'n'roll. Les scènes sont maintenant célèbres, avec des fans huant son plus gros son et un criant de façon obsédante «Judas» au musicien.

Il n’y a pas de mauvaise piste sur le disque. «Tombstone Blues» révèle un Dylan plus audacieux, soutenu par des tambours fracassants et une guitare cracheuse de feu. Le style presque libre de Dylan ici, laissant tomber ligne après ligne mémorable à son rythme. "It Takes Lot to Laugh, It Takes Train to Cry" est le meilleur du blues, se déroulant comme une session dans la cour d'un groupe qui joue ensemble depuis des décennies. Il tire du meilleur du large paysage musical américain, des salons de piano et des relais routiers aux porches en arrière-plan.

"Ballad of Thin Man" est une chanson de protestation obsédante qui, selon beaucoup, parle de la renommée de Dylan et de la corruption attachée à la fois à la célébrité médiatique. C'est un numéro émouvant, piloté par piano, qui suit le personnage principal de M. Jones. Il joue un peu différemment à chaque fois, mais dans l’ensemble, la chanson a un sentiment de terreur prononcé, comme si le protagoniste de la chanson était perdu dans un monde en mutation et essayait impuissant de rester en tête.

C’est comme si le protagoniste de la chanson était perdu dans un monde en mutation et essayait impuissant de rester en tête.

Ailleurs, «Queen Jane Approximately» est presque parfait dans ses imperfections, construit autour de petites imperfections comme des guitares légèrement désaccordées. C’est une chanson incroyable à disséquer avec vos oreilles, en vous concentrant d’abord sur les instruments individuels, puis en lâchant prise et en absorbant tout le collage. La chanson titre sonne comme un hommage pointu aux nombreux blues-smiths à sortir du Delt (fait intéressant, il y a un sifflet à glissière joué dans cette chanson, un instrument qui aurait été entré en studio comme quelque chose à sonner chaque fois que quelqu'un consommait de la drogue).

La touche finale du disque, «Desolation Row», est un coup de génie. C'est le seul numéro acoustique de l'album et fonctionne presque comme une nécrologie pour l'ancien son de Dylan. C’est aussi un travail magnifiquement écrit qui parvient à durer onze minutes captivantes. Dylan est carrément infatigable ici, racontant tout au long. Les guitares occupées continuent, poursuivant chacun de ses couplets. Avec une sorte de réalisme magique, Dylan associe des personnages bibliques, des noms historiques et des personnages fictifs pour décrire un lieu qui n'existe peut-être pas sur la carte mais qui existe certainement sous une forme ou une autre dans chaque ville.

La chanson touche à l'absurdité de l'Amérique des années 1960, avec des références prononcées au racisme et à l'incompétence politique. «Ils vendent des cartes postales de la pendaison», commence-t-il, effrayante. On a l’impression de peindre le portrait d’un ventre de société imaginaire jusqu’à ce que vous vous rendiez compte qu’il s’agit d’un commentaire social incroyablement astucieux, frappé par une bonne dose d’imagination et ponctué de son harmonica signature. Et cela continue de sonner vrai aujourd'hui.

À quel point le disque a-t-il une influence? Les écrivains ont fait valoir que les années 1960 n'ont vraiment commencé qu'après sa sortie. La capacité de Dylan à marier le folk avec le rock'n'roll a pratiquement ouvert la porte à ce que beaucoup décrivent comme la plus grande forme moderne de musique pop. Cela a fonctionné comme une invitation, faisant avancer les estimés tels que Jimi Hendrix, Led Zeppelin, les Rolling Stones et la version plus forte et plus cérébrale des Beatles, pour n'en nommer que quelques-uns. Chuck Berry a peut-être inventé du rock'n'roll, mais Dylan a fait marcher le folk gracieusement à travers les amplificateurs avec cet album vital. C’est un son qui semble si naturel aujourd’hui mais qui en a vraiment dérouté beaucoup lors de sa sortie.

Il est rare dans la musique que les paroles et le son soient d’authentiques égaux. C’est un autre trait qui rend ce disque si spécial. La calligraphie acérée de Dylan n’a d’égal que par un lot de folk-rock bluesy entièrement chargé.