Revisiter Les Albums Classiques: Head Hunters De Herbie Hancock Est Un Jazz Enivrant Pour Les Masses

2024 Auteur: Francis Oldridge | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 20:39

La première fois que j'ai entendu Head Hunters dans son intégralité, c'était au cours de ma deuxième année à l'université dans le cadre d'un cours d'histoire du jazz. Le concept d'écouter un enregistrement du début à la fin, sans discussion, et d'obtenir du crédit dans le processus était assez intriguant. Il était bien avant huit heures du matin et l'album me déchirait encore. Je l’écoute depuis et, comme toute bonne composition artistique, Head Hunters offre quelque chose de nouveau à chaque tour.

Sorti à la fin de 1973, l'album était le 12e effort studio du Hancock déjà établi. Le musicien né à Chicago vient de terminer un trio d'albums (souvent appelé son époque «Mwandishi») qui étaient particulièrement axés sur l'improvisation. Il cherchait à se retrouver dans la musique, laissant les sons de jazz plus spacieux pour lesquels il était devenu célèbre au profit de quelque chose de plus ancré; primal même.

Pour le contexte, c'était l'erof musical occupé des dieux de la guitare et des forgerons folkloriques. Des puissances R&B comme Marvin Gaye et des légendes du funk comme Stevie Wonder et Sly & the Family Stone. Le jazz devenait encore plus lointain, grâce à de nouveaux effets et instrumentation ainsi qu'à une volonté mentale collective de s'évader. Après tout, Nixon montrait des signes évidents de méchanceté et une guerre apparemment sans fin au Vietnam se poursuivait.

À San Francisco, Hancock a assemblé un sextuor extrêmement talentueux pour l'album, apportant plusieurs nouveaux visages. Il a choisi de remplacer largement la guitare par le clavinet et a branché une section rythmique talentueuse. Hancock commande les touches du synthé tout au long, emmenant les quatre chansons dynamiques du disque dans des endroits où des albums conceptuels entiers de plus de dix pistes vont rarement. Le dialogue de ses clés est articulé et précis, du début à la fin. Si le chanteur principal propriétaire de la scène prenait jamais la forme et le son d'un piano électrique, ce serait celui-là.

Le morceau d'ouverture, «Chameleon», arbore l'une des lignes de basse les plus moelleuses. C’est l’un des nombreux crochets colossaux du disque, se combinant pour former un thème vital - que le jazz enivrant peut être présenté aux masses, débordant d’innombrables points d’entrée. Ce crochet forme la colonne vertébrale d'une chanson formidable et remplie de groove qui à cinq minutes se surpasse déjà avec une improvisation éblouissante et des changements de touches subtils. Fixé sur un riff funky mais clairvoyant dans ses méandres sonores, la première moitié de la piste est comme un animal sauvage enchanteur en laisse assez longtemps pour obtenir un bon sprint.

La seconde moitié du morceau est en or lounge, avec des touches scintillantes, des percussions agitées et de riches éléments symphoniques. Le groove est toujours là, mais il est vaporisé. Le groove central est devenu fluide, pataugeant dans le jazz fluide, le funk et les petits succès de la musique de chambre expérimentale d'esprit classique, pour réapparaître juste avant la fin du morceau pour vous rappeler sa domination absolue.

«Watermelon Man» s’ouvre sur une ligne de jargon qui est depuis devenue légendaire. Le groupe Bill Simmers souffle dans une bouteille de bière, cherchant à imiter les sons traditionnels du Zaïre (musique pygmée en particulier). Faites attention à la densité de la section rythmique lorsqu'elle tombe, au caractère ludique des touches de Hancock et aux nombreux cors qui flottent nonchalamment dans et hors de la piste. L'instrumentation a été comparée à la nature percussive d'un cercle de tambours africain, où chaque individu joue son propre rôle distinct. Et comme la chanson d'ouverture, la piste est réservée par un groove incroyablement enivrant.

Ensuite, l'album expire de manière audible. Le morceau «Sly» est dédié à l'homme lui-même, car Hancock devient funky et guitare avec beaucoup de ses interjections. une section de cuivres soul vibre aux mains ultra-rapides du batteur Harvey Mason. Parfois, cela ressemble à un hymne funk-rock voyageant à une vitesse extrême. Selon le thème de l'album, il y a de l'innovation dans les solos exploratoires, mais tout repose sur une base extrêmement rythmique. Le groupe sonne, fléchissant leurs côtelettes individuelles vispeedy phrases.

L'album se termine par «Vein Melter», un numéro plein de tension qui flirte à la fois avec l'ordre et le désordre. Il y a le battage de tambour raffiné et à l'esprit militaire, situé à côté des touches flottantes de Hancock. Il y a une qualité cinématographique dans les ondes de son de fond, souvent dirigées par la clarinette basse. S'il y avait Fantasivignette dans un café en plein air sur une plaine désertique, ce serait la bande originale. Bientôt, il cesse simplement de respirer, avec quelques derniers battements de percussion pour indiquer la fin.

Head Hunters serait ensuite échantillonné par tout le monde, de Beck et Madonn à George Michael, Coolio et plus encore. C’est le premier album de jazz à devenir Platine et il est reconnu par la Bibliothèque du Congrès par le National Recording Registry pour ses nombreux mérites culturels. Et il est largement et à juste titre salué comme un moment de filigrane dans le domaine innovant du jazz fusion, quelque chose que Hancock a pratiquement défini.

Faites-le tourner et perdez-vous pendant 42 minutes.