Les 11 Meilleurs Films D'horreur Arthouse

2024 Auteur: Francis Oldridge | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 20:39

Les slashers et les films de torture sont tous bien et bien, mais parfois votre cerveau recherche plus que l'effusion de sang gratuite dans le film d'Halloween.

C'est un fait malheureux de la critique cinématographique que l'horreur est probablement le plus sous-estimé de tous les genres. Souvent considérés comme trash ou lowbrow par les cinéphiles et presque complètement ignorés par l'Académie, les films d'horreur sont généralement considérés comme des frissons bon marché pour les téléspectateurs sadiques.

Les universitaires et les universitaires ont tenté à plusieurs reprises de sauver l'horreur de sa mauvaise réputation en pointant vers les motifs féministes latents à travers le genre et en notant les aspirations avant-gardistes même des films au plus petit dénominateur commun. Pendant ce temps, les vrais auteurs se tournent régulièrement vers l'horreur pour trouver l'inspiration et ont tourné certaines de leurs plus grandes créations tout en explorant l'obscurité intérieure.

Dans cet esprit, nous avons organisé une liste de cinémas d'art et essai sous-appréciés pour les fans d'horreur les plus aventureux.

(Avertissement relatif au contenu: tous les films ci-dessous décrivent des violences physiques et sexuelles extrêmes.)

Brut (2016)

Les films d'horreur réalisés par des femmes sont malheureusement rares en raison du sexisme rampant de l'industrie cinématographique, mais il est évident pour quiconque sait que les femmes ont contribué autant ou plus que les hommes au genre. Le chef-d'œuvre de l'horreur mélodramatique du réalisateur français JuliDucournau Raw est un exemple de maîtrise totale du genre: dans une école vétérinaire surréaliste et futuriste, deux sœurs luttent contre leurs inexplicables pulsions cannibales. Bien que la prémisse soit sauvage, l’histoire est terriblement discrète et réfléchie: la génétique des filles les a-t-elle condamnés à devenir des wendigos, ou est-ce une métaphore de l’interdépendance malheureuse et inextricable que nous avons tous avec nos familles?

Climax (2018)

Le réalisateur Gaspar Noé s'est fait connaître pour ses explorations psychédéliques de la mort dans des films comme Enter the Void et Irreversible. Climax utilise en grande partie le même travail de caméra et les mêmes palettes de couleurs excentriques que ses œuvres précédentes, mais abandonne le prétexte philosophique, rendant ce film beaucoup moins prétentieux. Le principe: une troupe de danse contemporaine française composée de combattants de salle de bal et de breakdancers célèbre la dernière nuit avant une représentation majeure lorsque quelqu'un verse beaucoup trop d'acide dans les boissons de tout le monde. La troupe commence à devenir folle en pratiquant une dernière fois leurs routines. Puis, la violence éclate - sur la bande originale de la house française à la basse. Ce sont les corps des danseurs - déformés, virevoltants et plongés dans l’oubli - qui fournissent la toile de fond obsédante sur laquelle se transposent les pannes totales des protagonistes.

Antéchrist (2009)

Le réalisateur Lars Von Trier est certainement allé loin avec sa production cinématographique plus récente, mais Antichrist reste profondément troublant à la fois sur le nihilisme extrême et la psychose dépressive. Charlotte Gainsbourg et Willam DeFoe jouent le couple marié dont l'enfant est décédé tragiquement. Ils se retirent dans un chalet tranquille dans les bois où ils commencent à contempler la nature du mal. Il devient clair qu'aucun des deux n'a jamais vraiment eu une forte emprise sur la réalité, et ils commencent à se mutiler - littéralement - à mesure que leur santé mentale se défait. La thèse de Von Trier est qu'en fin de compte, l'existence humaine est intrinsèquement haineuse et dégoûtante, tout comme ce film. Mais c'est aussi d'une beauté saisissante, de la manière la plus étrange et la plus triste des manières.

Empire intérieur (2006)

La cosmologie obscure et impénétrable de David Lynch est amenée à sa conclusion logique avec son dernier long métrage. Ce cauchemar non narratif de plus de 3 heures commence avec LaurDern, jouant une actrice qui perd la tête ou non, découvrant accidentellement une malédiction. Ce qui se passe à partir de là n’est pas exactement explicable, mais c’est certainement horrible. Joue-t-elle plusieurs personnages ou a-t-elle plusieurs personnalités? At-elle une dépression nerveuse ou la réalité s'écroule-t-elle autour d'elle? Les scènes des lapins anti-comédie surréalistes abandonnés de Lynch, au cours desquelles des lapins humanoïdes parlent dans des clichés décousus et incohérents, associées à une piste de rire déconcertante, sont mêlées à confusion dans les films. La cinématographie de Lynch reste sombre et luxuriante tout au long, bien que les événements réels décrits soient totalement incohérents. C'est profondément effrayant et - en quelque sorte - aussi assez spirituel.

Suicide Club ou Suicide Circle (2001) + Noriko’s Dinner Table (2006)

Pendant un certain temps, le taux de suicide au Japon a été l’un des plus élevés du monde développé - mais en raison de tabous culturels, le sujet est resté sous-exploré dans les enquêtes psychologiques et artistiques. Suicide Club a courtisé la controverse en prenant le sujet de front. Dans ce chef-d'œuvre onirique, la réalisatrice Sion Sono explore une sorte de paranoïaque culturel omniprésent dans une histoire de fantômes grotesque superposée à une conspiration de la culture pop. La première séquence du film, dans laquelle toute une classe d’écolières saute devant un train en marche marqué par une pop urbaine optimiste, est en quelque sorte à la fois hilarante et traumatisante. Il y a définitivement de la campiness dans le film - il y a même un numéro musical influencé par Rocky Horror - mais l'histoire se déroule en quelque chose de beaucoup plus sinistre à la fin.

La table à dîner de Noriko, qui sert à la fois de suite et de préquelle à Suicide Club, abandonne complètement l'humour de son prédécesseur. Le film explore le chagrin ressenti par la famille de l’une des filles lors de la première scène du film. Par le biais d'une agence obscure, ils engagent une jeune actrice pour jouer leur fille aux dîners parce qu'elle leur manque tellement. Mais alors qu'ils pleurent, leur chagrin devient de plus en plus délirant jusqu'à ce qu'il soit révélé que les organisations criminelles clandestines et apocalyptiques étaient peut-être à blâmer depuis le début. Véritable continuation tordue de l’histoire de Suicide Club, Noriko’s Dinner Table est une méditation sérieusement morbide sur la façon dont le deuil peut rendre une personne totalement schizophrène.

La cellule (2000)

Ne laissez pas les têtes d’affiche du film (Jennifer Lopez et Vince Vaughn) vous tromper en pensant que c’est un schlock discret. The Cell est un film d'horreur glamour costumé par la légendaire Eiko Ishiok (souvent connue pour sa couture sur mesure fréquemment portée par Bjork). Le réalisateur Tarsem Singh a pris un scénario de science-fiction / d'horreur plutôt fade sur un psychologue voyageant dans l'esprit du tueur en série et en a fait une expérience avant-gardiste grâce à une conception de production opulente et une imagination gothique exquise inspirée d'artistes comme Trent Reznor, Odd Nerdrum et Damien Hirst. Il est dommage que de nombreux films d’horreur manquent de ce type de style visuel méticuleux et d’imagination - car des images attrayantes peuvent transformer même les histoires les plus banales en fantasmes passionnants.

Vidéodrome (1983)

Quand un cadre de télévision voyou spécialisé dans le matériel sensationnel découvre une station de métro diffusant des vidéos de femmes brutalisées, il descend dans une sous-culture secrète déroutante remplie de sadomasochisme. Les choses deviennent plus étranges lorsque son corps commence à se transformer en quelque chose d'inhumain, jusqu'à ce qu'il développe un lecteur VHS / vagin sur son estomac. Si la description semble étrange, le film lui-même est encore plus troublant. Cronenberg donne une mise à jour de l'horreur lovecraftienne en la mélangeant à la philosophie baudrillardienne et le résultat est précisément aussi déroutant que cela puisse paraître.

Otto, ou Up With Dead People (2008)

Le pornographe gay Bruce LaBruce travaille généralement dans le milieu de l'érotisme, retournant souvent les tropes des films bleus sur leur tête: des interprètes récitant le Manifeste communiste tout en ayant des relations sexuelles, ou des explorations passionnées des corps nus des néo-nazis. Ses entrées dans l'horreur sont étranges et hautement sexualisées, mais Otto est aussi maladroitement doux. Dans celui-ci, le zombie gay éponyme déambule dans les friches jusqu'à ce qu'il rencontre un duo de cinéastes d'avant-garde qui ont choisi le héros mort-vivant comme leur homme principal. Peut-il freiner sa dépendance à la chair humaine - ou son zombieisme n'est-il qu'une métaphore de la solitude de l'identité gay? Avec la musique fournie par Cocorosie, Otto repousse les limites du porno et de l'horreur - pas étonnant que le réalisateur ait été mis en lumière dans MoMretrospective seulement quelques années après le début de ce film.

Dents de chien (2009)

portrait de famille qui a terriblement mal tourné: que se passe-t-il quand un père contrôlant et violent garde ses enfants enfermés à l'écart du monde et les nourrit d'années de désinformation sur ce qui se passe à l'extérieur? Et puis que se passe-t-il lorsque ces enfants commencent à découvrir le sexe? Ce qui apparaît dans des moments comme pacifique - quoique quelque peu décalé - le monde nucléaire est ponctué d'explosions d'extrême cruauté. Il y a aussi une poignée de moments vraiment comiques: à quoi ressemble la danse si vous n'avez jamais vu personne le faire? On ne sait pas quel message moral le directeur Yorgos Lanthimos essayait d'exprimer avec ce poème visuel hideux: est-ce un avertissement sur l'hostilité inhérente à la paternité? rejet des pratiques procréatives hétérosexuelles? Le film a été salué par la critique et nominé pour un Oscar - une rareté extrême pour les cinémas grecs - mais n'a pas gagné. L'Académie voulait probablement quelque chose d'un peu moins… déconcertant.

Salò, ou les 120 jours de Sodome AKPasolini, 120 jours de Sodome (1975)

Le réalisateur italien très respecté Pierre Pasolini s'est aventuré dans les profondeurs de la cruauté humaine avec son adaptation des 120 jours de Sodome du marquis De Sade. Dans sa réinterprétation, les indignités décrites dans le livre sont transplantées dans le monde de l'Italie occupée par les fascistes. La folie prend le dessus alors qu'un groupe de méchants libertins kidnappe de jeunes hommes et femmes pour les utiliser comme objets de leur méchanceté sexuelle. Le film est surtout une marche incessante de scènes de torture, entrecoupées de fantasmes surréalistes sombres: contemplation troublante des profondeurs du mal et de la politique sexuelle de l'autoritarisme. Bien que souvent (et naturellement) considéré comme totalement inattaquable, le film a connu un renouveau critique après que le réalisateur John Waters l'ait qualifié de favori personnel.